O incrível mundo de crânios pintados e casas de ossos

O incrível mundo de crânios pintados e casas de ossos

Com vista para os Alpes, na idílica cidade montanhosa austríaca de Hallstatt, algumas centenas de lápides indicam o local de descanso de antigos residentes. Mas aqueles que optam por ser enterrados lá sabem que seu local de descanso final não será o pequeno cemitério sonolento, mas o cemitério subterrâneo (conhecido como beinhaus ou "casa dos ossos") a poucos passos de distância.

O cemitério é o lar de mais de 1000 esqueletos, com crânios empilhados ordenadamente uns sobre os outros. A prática macabra pode parecer ultrajante hoje, mas armazenar esqueletos mais antigos em ossários como este não era incomum no passado. Existem muitos exemplos notáveis ​​em toda a Europa, como o Ossuário de Sedlec na República Tcheca com seu lustre em forma de esqueleto, o elaborado San Bernardino alle Ossa em Milão e, mais notoriamente, as catacumbas de Paris, que são o local de descanso final para mais de seis milhões de pessoas.

Hallstatt pode não ser tão elaborado ou expansivo como alguns dos outros ossários da Europa, mas milhares de pessoas visitam a sonolenta cidade rural todos os anos para visitar o cemitério, porque mais de 600 dos esqueletos não estão apenas organizados de maneira ordenada, mas também pintados com ornamentos e designs significativos.

Armazenamento prático de esqueleto

A ideia de desenterrar corpos e removê-los pode parecer impensável e até grotesca, mas era comum no passado. Até recentemente, a cremação era proibida por muitas denominações cristãs (em particular o catolicismo romano), o que significava que o sepultamento era a única opção. Juntamente com outros costumes religiosos sobre o sepultamento, como a necessidade de ser enterrado em solo consagrado, os cemitérios começaram a ficar sem espaço e a questão do que fazer com os corpos frescos tornou-se uma questão urgente.

Embora os ossários tenham existido em alguns países por pelo menos 3.000 anos, foi durante os 16 º-18º séculos que a prática realmente decolou. Cemitérios superlotados estavam se tornando perigosos - em 1780, as paredes dos porões próximos ao cemitério Les Innocents em Paris desabaram sob o peso das valas comuns superlotadas - e mesmo em cidades menores o problema não podia mais ser ignorado. Os ossos não podiam ser eliminados e a solução era armazená-los em ossários onde pudessem ser empilhados e acondicionados com eficiência em um espaço muito menor do que se fossem deixados em caixões.

A solução era tão prática como alternativa às valas comuns que muitas vezes eram construídas para lidar com as consequências da peste e de outros surtos de doenças. Ossuários, como o Ossário de Saint-Maclou, Rouen, foram construídos especificamente para abrigar vítimas da peste. O Ossuário de Brno, descoberto na Tcheca em 2001, é o segundo maior ossário da Europa, com 50.000 esqueletos que morreram em grande parte durante surtos de cólera e peste.

Mais recentemente, ossários foram construídos em Gallipoli e Douaumont, onde soldados não identificados foram enterrados em ossários após a Primeira e a Segunda Guerras Mundiais. As cavernas do cemitério de Fontanelle abrigam os ossos de ambas as vítimas da praga dos 17 º século e soldados caídos da segunda guerra mundial.

Cemitério de Fontanels, Itália, onde residem vários crânios e ossos pintados. ( Massimo Santi / Adobe)

Uma forma mórbida de arte

Os ossários são lugares inspiradores e é compreensível que muitas pessoas os considerem extremamente assustadores. Eles são um local especial favorito para programas paranormais e de caça a fantasmas e têm sido o assunto de muitos romances e filmes de terror, como o de 2014 Como Acima, Assim Abaixo .

A ideia de se perder ou ficar preso em uma catacumba subterrânea com milhares de esqueletos é aterrorizante o suficiente, mas muitos ossários não simplesmente empilham os ossos da maneira mais eficiente possível - eles os exibem como um tipo de decoração macabra.

Catacumbas subterrâneas de Paris, onde os crânios são exibidos. ( dirk94025 / Adobe)

O Ossuário de Sedlec, na República Tcheca, tem ossos ricamente arranjados em brasões, lustres e até mesmo a assinatura do artista principal para criar as exibições. Arciconfraternita Santa Maria dell'Orazione e Morte, Itália é o lar de outro lustre impressionante feito de ossos humanos. A Capela dos Ossos (Capela dos Ossos) em Évora, Portugal foi construída por um frade franciscano no século 16 º século e tem ossos artisticamente dispostos cobrindo as paredes e colunas da capela que leva ao altar e San Bernardino alle Ossa em Milão é preenchido com ossos dispostos em cruzes e padrões como afrescos, sob um teto pintado espetacular.

Esses ossários são mais do que apenas armazenamento para esqueletos antigos; os ossos foram tratados como um meio para realçar a bela arquitetura. Se você acha que eles são bonitos ou assustadores, eles são de tirar o fôlego.

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Ossos e crânios dispostos em uma coluna em uma catacumba. ( Guy Bryant / Adobe)

Crânios pintados - outra forma de arte?

Os ossos em Hallstatt não foram organizados em designs complexos, e em cerca de 1000 fortes os números não podem ser comparados a muitas das outras catacumbas na Europa. Mas milhares de visitantes fazem a caminhada até a pequena cidade rural para vê-los, porque cerca de 600 dos crânios foram pintados com uma variedade de desenhos.

Guirlandas de flores coloridas são especialmente populares nos crânios das mulheres, enquanto os homens costumam ser coroados com hera. Outra decoração inclui cruzes, folhas e galhos. Alguns dos designs são quase alegres, com lindas rosas cor de rosa e guirlandas de cores vivas. Outros são relativamente simples com uma cruz negra solitária. Todos os crânios têm uma coisa em comum - nomes e datas de morte são pintados em uma bela escrita gótica na testa.

Os crânios das mulheres são pintados com flores coloridas. ( J. Ossorio Castillo / Adobe)

Pode parecer macabro no início. É compreensível que os ossos precisassem ser armazenados em algum lugar e os cemitérios sejam uma solução prática. Mas usar os crânios como tela é algo totalmente diferente.
No entanto, os crânios pintados são mais do que apenas outra forma de apresentar os ossos artisticamente. Os lustres de Sedlec e Arciconfraternita Santa Maria dell'Orazione e Morte são indiscutivelmente impressionantes, mas os crânios no topo de cada galho não são mais pessoas, são ornamentação. Em Hallstatt, o ossário lembra os visitantes de que essas pessoas já viveram suas próprias vidas.

A Capela dos Ossos, em Évora, Portugal, foi construída por um frade franciscano que pretendia criar um lugar de contemplação onde os visitantes pudessem refletir sobre a natureza transitória da vida. E ainda assim, a vasta parede de ossos dispostos em padrões e os crânios colocados em pilares removeram muitos dos aspectos da humanidade das pessoas ali enterradas. Muitos dos crânios foram vandalizados, rabiscados com pichações em esferográfica e canetas hidrocor. Os nomes nessas caveiras são nomes de turistas - as pessoas a que pertenciam foram esquecidas, ninguém jamais saberá quem eles foram.

Capela dos Ossos em Portugal onde se expõe uma vasta parede de ossos e crânios. ( Sergii Figurnyi / Adobe)

A história de uma cidade e seu povo

Os crânios pintados em Hallstatt permitem que os visitantes prestem homenagem aos indivíduos, mas passar algum tempo entre eles cria uma imagem comovente de uma cidade rica em história. Alguns dos crânios têm um nome e uma data de morte. Outros têm mais informações - o que faziam para viver e quando nasceram. Juntos, vocês podem reunir aspectos da história de Hallstatt e seu povo.

Sobrenomes distintos aparecem repetidamente, ao longo das gerações, e o estilo das pinturas evolui à medida que sucessivos artistas assumem o papel de pintor de caveiras. Quanto mais tempo você passa olhando para os crânios, mais começa a imaginar quem eles eram e a vida que levaram.

Embora a maioria dos crânios de ossuário datem do século 19 º século até a década de 1930, há alguns que são mais modernos. A adição mais recente, e talvez final, ao ossário foi em 1995 - o desejo de morte de uma mulher que faleceu em 1983. O fato de o ossário significar tanto para alguém recentemente é uma evidência de que é uma parte importante da identidade de Hallstatt e seus residentes.

Manuseado com cuidado

Os ossários mais impressionantes são notáveis ​​e as pessoas que os fizeram devem ter ficado incrivelmente orgulhosas de seu trabalho. Eles são lugares notáveis ​​e seu orgulho é inteiramente justificável, mas transformar os ossos em afrescos ou usá-los como componentes para construir outros itens é totalmente diferente da forma como foram tratados em Hallstatt.

A tradição de pintar crânios começou em Hallstatt em 1720. Os corpos foram exumados depois de apenas alguns anos, normalmente entre 10 e 15, antes de serem limpos e deixados para branquear sob a luz do sol e da lua. Quando finalmente ficaram branco-marfim, foram pintados pelo coveiro local usando pigmentos à base de terra - um detalhe que lembra o uso ritual do ocre em enterros antigos. É uma tradição que se assemelha a deixar flores ao lado de um túmulo, para comemorar e homenagear os mortos.

Corpos exumados - os ossos são limpos e deixados para branquear ao sol. ( Milkovasa / Adobe)

Como os ossos foram exumados logo após a morte, geralmente havia amigos sobreviventes e parentes que se lembravam do falecido. Depois que os crânios foram pintados, eles seriam colocados para descansar perto dos restos mortais de outros ancestrais por seus entes queridos remanescentes.

A prática é muito mais saudável do que pode parecer à primeira vista. Muitos outros ossuários famosos foram de certa forma comercializados, com visitas guiadas e até lojas de presentes que vendem réplicas de caveiras e camisetas. Hallstatt continua sendo um lugar solene onde os ancestrais podem ser lembrados, tanto como indivíduos quanto em massa.

Também é interessante notar que a tradição de pintar crânios dessa maneira não é exclusiva de Hallstatt. Na Schusterkapelle em Dingolfing, Alemanha, há 60 crânios pintados de forma semelhante em um cemitério e o Ossuário Křtiny, Morávia também é conhecida por crânios pintados em um estilo semelhante aos de Hallstatt. Apresentar os crânios dessa forma é significativo para mais do que apenas o povo de Hallstatt e oferece uma alternativa ao anonimato e à potencial apresentação desumanizante em um ossário padrão. Não há como contornar o fato de que é uma coleção de crânios empilhados, mas pintá-los dessa forma torna a solução mais palatável.

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Em Schusterkapelle em Dingolfing, Alemanha, há 60 crânios pintados em um cemitério. ( Helmlechner / CC BY-SA 4.0)

Olhando para o futuro

Os ossários podem ter surgido por necessidade devido a cemitérios superlotados quando a cremação foi proibida, mas mesmo com a cremação, a superlotação é uma preocupação cada vez maior em muitos lugares, especialmente em áreas metropolitanas como Londres, onde é impossível encontrar espaço extra.

As pessoas estão cada vez mais se voltando para maneiras novas e inovadoras de lidar com os restos mortais. Ter um ente querido transformado em diamante, urnas biodegradáveis ​​para nutrir mudas e até enterros de carrinhos de mão em estilo antigo estão disponíveis para nós em 2019.

‘Diamantes memoráveis’ são restos humanos transformados em diamante. (Roger Blake / CC BY-SA 2.0 )

Com essa maior disposição para considerar alternativas ao sepultamento tradicional e a falta de cemitérios disponíveis, o ossuário pode acabar sendo devolvido em um futuro próximo - pode até ser necessário. E embora exibições grandiosas sem dúvida sejam atraentes para alguns, talvez haja um lugar para a tradição de pintar crânios ser redescoberta também.


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Sobre o Show

Sobre os anfitriões

Karen E Laine

Mina Starsiak

Episódios

Casa parcialmente construída abandonada é resgatada

Karen e Mina estão de volta à Woodlawn Avenue para resgatar uma nova construção que foi abandonada. Enquanto a estrutura básica da casa é construída, os ossos foram deixados para morrer. Mina e Karen veem as possibilidades incríveis nesta casa de 2.200 pés quadrados e já têm o comprador perfeito em mente. No entanto, surgem problemas quando a entrega da janela é atrasada e os carpinteiros de acabamento param no meio do trabalho. As mulheres conseguirão fazer uma reforma bem-sucedida neste bairro promissor?

Casa pequena, grandes problemas

Mina e Karen descobrem que "você recebe pelo que pagou" quando compram uma casa pechincha por US $ 5.000. Com 730 pés quadrados, é a menor casa de todos os tempos, mas está cheia de grandes desafios, incluindo buracos no telhado, buracos no chão e uma base apodrecida suportada por nada mais do que uma pilha de sujeira e um macaco de carro. O objetivo de Mina e Karen é criar valor, mas permanecer dentro do orçamento, enquanto traz esta pequena casa dilapidada de volta a uma condição habitável.

Smelly Shotgun House para Chic Downtown Home

Mina Starsiak e Karen E. Laine assumem uma velha casa estilo espingarda perto do centro de Indianápolis, e embora elas tenham reformado casas espingarda por anos, esta casa é bem fedorenta - literalmente. O dia de demonstração torna-se um teste de odores que eles nunca esquecerão, e o irmão de Mina, Tad, aprende o básico para emoldurar uma casa e instalar azulejos decorativos nas paredes. Na esperança de vender a casa para um amigo que é dono de um estúdio de vestidos de noiva, Mina e Karen ajustaram a decoração para combinar com seu gosto e criaram um projeto faça você mesmo com material de vestido de noiva. Mas quando eles descobrem que sua casa reformada não está de acordo com o código, há uma chance de que não consigam terminá-la a tempo e dentro do orçamento.

Nova Casa, Velho Espírito

Mina e Karen se aventuram a leste do centro de Indianápolis para assumir uma casa velha de dois andares que é tão arriscada quanto nojenta. O bloco ainda não foi revitalizado e entre o enorme sumidouro, o teto desabado e os animais em decomposição por toda parte, sua caminhada é quase impossível. A casa quase não tem uma fundação sustentável, então as mulheres se ocupam reconstruindo do zero ao mesmo tempo que adicionam recursos que fazem parecer que a casa está em construção há décadas.

MJ & # 039s Dream Home

Duas garotas e um assistente de design do martelo, MJ, e seu marido compraram recentemente sua primeira casa, e Mina e Karen querem transformar os sonhos de MJ em realidade. A dupla trabalha para misturar os estilos tradicional e moderno, mas MJ pode ter que se comprometer para permanecer dentro do orçamento.

Tiny Home do Tad

Mina e Karen pretendem transformar uma velha garagem de um de seus imóveis alugados em uma pequena casa para o irmão de Mina, Tad. Com problemas de fundação e um misterioso cano quebrado, esta pequena casa tem grandes problemas que devem ser resolvidos antes que Tad possa se mudar.

Remodelação Duplex é o dobro do problema

Depois de comprar um duplex por US $ 15.000, Karen E. Laine e Mina Starsiak começam a trabalhar transformando o espaço apertado com dois lados em uma única casa de família. Reimaginar a planta baixa é fácil - ficar dentro do orçamento que é um desafio com este projeto. Ele está localizado em um bairro periférico de Indianápolis que ainda está em transição, o que pode ter um impacto no preço de venda, então a dupla mãe-filha tem que estar atenta ao orçamento. Mas com compras inteligentes e estilo criativo, Mina e Karen o tornam único.

Restaurado de dois andares inundado

Mina e Karen são recebidas em seu novo duplex com pilhas de roupas, dois banheiros e 60 centímetros de água no porão. Embora as mulheres tenham divergências sobre a localização dos quartos e as cores das pinturas, elas esperam que todo o trabalho árduo nesta casa decrépita valha a pena para um comprador.

Condomínio desatualizado recebe uma renovação moderna

Mina e Karen compram e uma velha residência urbana no popular bairro de Bates-Hendricks. Depois de encontrar podridão seca e cupins, os imprevisíveis bloqueios de estradas prejudicaram seu orçamento e suas atitudes em relação ao projeto. Mas quando toda esperança parece perdida, um "tesouro" raro e valioso encontrado durante a demolição do teto pode fazê-los mudar de opinião sobre esta problemática residência urbana.

The Brickyard Brick House

Mina e Karen reformam uma histórica casa de tijolos em uma área crescente do sul de Indianápolis. A casa está em mau estado. Felizmente, eles têm um orçamento saudável de US $ 200.000 e vão precisar de cada centavo. As mulheres planejam aumentar a metragem quadrada com uma adição de dois andares e criar um layout totalmente novo com três quartos e dois banheiros e meio.

Condomínio minúsculo, upgrade gigante

Mina e Karen compram um prédio com vários condomínios e, para testar o mercado, estão começando com uma unidade no andar térreo. Eles planejam derrubar algumas paredes para criar uma cozinha aberta e lidar com todo o exterior do edifício. No entanto, todo o projeto está em risco quando Karen tenta reduzir uma troca de HVAC com consequências hilárias.

The Greenwich Village Townhome

Mina e Karen voltam para Old Southside para renovar o lado direito de sua residência duplex usando um design de Greenwich Village. Karen compartilha um importante anúncio sobre sua posição na empresa, e as ramificações dessa mudança rapidamente vêm à tona.

DIY Reno Rescue

Mina e Karen são chamadas para ajudar seus amigos a transformar sua casa tradicional, mas suas ideias dependem da sociedade histórica local. Eles expandem a sala de jantar e a cozinha, e convertem o master em um lindo banheiro privativo.

Uma velha casa atrai novos vizinhos

Karen E. Laine é pega de surpresa quando sua filha, Mina Starsiak, a informa que ela comprou seu próximo projeto Reno por um preço muito alto. A casa em ruínas pode ser cara, mas a localização não pode ser superada - é ao lado! Embora Mina esteja animada por ter o controle de um projeto tão perto de casa, a velha casa é enorme e seus problemas também. Mas sujeira, cheiros e construção incompleta nunca pararam esta dupla mãe-filha. Eles lidam com essa reforma um passo de cada vez, e nem mesmo um desastre próximo no dia de demonstração impedirá Mina e Karen de criar um belo espaço para atrair novos vizinhos maravilhosos.

Uma casa majestosa em Sanders

Mina e Karen estão ocupando uma casa ampla de 2.800 pés quadrados com quatro quartos, dois banheiros e um espaço extra no andar de cima. Embora a casa de três andares seja estruturalmente sólida, ela precisa de muito trabalho para ficar pronta para ser vendida, e Mina e Karen têm um orçamento de renovação colossal de $ 275.000. A casa tem belos trabalhos em madeira, painéis e uma escadaria majestosa, mas as tensões aumentam à medida que as mulheres têm opiniões diferentes sobre como abordar o seu design e estilo.

Pequena Casa Branca em uma Colina

Mina e Karen compram uma casinha branca em uma colina com potencial para ser uma verdadeira encantadora no bairro de Bates-Hendricks. A casa tem uma ótima planta baixa, mas tem sérios problemas de fundação e precisa desesperadamente de uma reforma. Durante a construção, uma ex-dona da casa passa por aqui para ver o quanto sua antiga casa mudou. Ela ficará impressionada com a transformação de Mina e Karen?

Lote Vazio para Lar Doce Lar

Mina e Karen compram um imóvel em um dos bairros mais cobiçados e populares de Indianápolis. O preço incrível significa apenas mais desafios, pois eles descobrem rapidamente algumas surpresas ocultas que colocam a construção em espera. Quando a construção puder continuar, esta casa de quatro quartos com uma planta baixa aberta e uma área de estar extra no segundo andar acabará sendo a casa mais linda de todos. se eles podem passar pelas violações do código de incêndio. Com uma vibração boêmia e moderna, Mina e Karen esperam atrair um certo casal jovem e fofo que elas esperam que o chame de lar.

Atualizado em estilo vitoriano em Old Southside

Mina e Karen estão de volta a Old Southside, onde compraram uma casa de acumuladores cheia de lixo e escondendo os danos causados ​​pelo fogo. Conforme a demonstração está em andamento, eles descobrem uma série de outros problemas enquanto transformam esta casa cheia de lixo em uma beleza vitoriana atualizada.

Townhome of Trouble

Mina e Karen assumem a reforma de um duplex centenário em Indianápolis, Indiana. Eles decidem manter as duas unidades separadas e começam a reforma com um sobrado. O interior está em mau estado e a demolição expõe vários problemas problemáticos, mas a equipe ainda pode ver potencial para uma vibração "Boho Industrial" única. Com um orçamento de US $ 150.000, eles criam uma área de estar de conceito aberto no andar principal e adicionam um segundo banheiro completo para funcionalidade máxima. Uma cozinha branca brilhante, azulejos elegantes e dutos expostos completam a visão moderna da equipe.

Casa de campo torna-se oásis artístico

Um casal que dirige uma organização sem fins lucrativos que beneficia o bairro de Garfield Park convoca Mina e Karen para reformar uma de suas propriedades dilapidadas. A equipe deve trabalhar em conjunto para garantir que a casa fique dentro do orçamento e ajude um artista necessitado.

Bungalow The Boho

Mina e Karen começam a trabalhar em uma casa em um novo bairro chamado Garfield Park. Com um orçamento apertado e estreita margem de lucro, a equipe deve aproveitar sua criatividade para transformar a pequena propriedade em um bangalô com tema boho digno de um aspirante a artista.

Uma velha casa vitoriana recebe uma nova reforma

O orçamento é uma obrigação quando Mina Starsiak e Karen E. Laine fazem alarde em uma casa velha que elas estão de olho há um tempo. Inspirados em seu estilo vitoriano, eles têm grandes planos para uma reforma massiva nesta casa de 2.100 pés quadrados. Mas esta casa guarda muitas surpresas para esta dupla mãe-filha. Ao contrário de seus projetos habituais, o espaço do andar de baixo está em boas condições, mas é o andar de cima que representa um desafio de construção. Eles querem transformar um sótão apertado em uma bela suíte master e, diante de escadas estreitas, madeiras perdidas e horas de papel raspado, esperam que seu tesouro vitoriano prove no final que ela tem algo especial que vale a pena salvar.

Revisão da Eyesore

Mina e Karen estão de volta ao bairro de Bates-Hendricks com um projeto totalmente novo. A casa tem uma localização fantástica, perto de tudo e tem uma tonelada de metros quadrados. Apesar de suas boas qualidades, no entanto, a casa é suja, feia e vai dar um trabalho difícil. Esta monstruosidade tem três cores de tinta marrom revestindo o exterior e é um labirinto confuso por dentro. Uma casa desse tamanho acabará exigindo mais trabalhadores da construção, mais martelos e, em última análise, mais perigo. Será que eles conseguirão dar a esta casa uma nova planta baixa perfeita para uma residência familiar?

A casa de meio milhão de dólares

Mina e Karen compraram sua casa mais cara até agora, no bairro mais cobiçado do centro de Indianápolis. O tamanho da casa e sua ótima localização podem significar um preço de venda próximo a US $ 500.000 se eles jogarem suas cartas da maneira certa. Após a demolição maciça ser concluída, Mina e Karen começam a trabalhar no projeto do novo layout, que inclui um espaço extra de loft no segundo andar e tetos abobadados na cozinha. Para a estética do design, eles têm uma vibe elegante e boêmia, adicionando toques de cor ao interior e exterior.

Minúscula casa se transforma em um bangalô da Boêmia

O preço é alto, mas a localização é excelente, então Mina Starsiak e Karen E. Laine decidem se arriscar e investir em uma casinha no bairro de Fountain Square, em Indianápolis. Mas com apenas 950 pés quadrados, esta pequena casa tem alguns grandes problemas. A equipe mãe-filha enfrenta problemas quando o piso flácido leva a uma estrutura instável. Apesar dos problemas, eles seguem em frente com a intenção de criar uma planta mais funcional que transforme a casa em um charmoso bangalô perfeito para quem vem pela primeira vez.

Facelift para um pequeno vitoriano

Mina e Karen compram uma pequena casa em estilo vitoriano que precisa de uma reforma séria nos arredores da comunidade de Fountain Square em Indianápolis. A casa não é apenas pequena, mas também tem um layout descolado com espaços não funcionais, forçando as mulheres a construir um anexo na parte de trás enquanto tentam manter o orçamento.


1. Os bebês têm cerca de 100 ossos a mais do que os adultos

Os bebês têm cerca de 300 ossos ao nascer, com cartilagem entre muitos deles. Essa flexibilidade extra ajuda a passar pelo canal do parto e também permite um crescimento rápido. Com a idade, muitos dos ossos se fundem, deixando 206 ossos que constituem um esqueleto adulto médio.

2. A Torre Eiffel pode ser 15 cm mais alta durante o verão

Quando uma substância é aquecida, suas partículas se movem mais e ela ocupa um volume maior - isso é conhecido como expansão térmica. Por outro lado, uma queda na temperatura faz com que ele se contraia novamente. O nível de mercúrio dentro de um termômetro, por exemplo, sobe e desce conforme o volume do mercúrio muda com a temperatura ambiente. Este efeito é mais dramático em gases, mas ocorre também em líquidos e sólidos, como o ferro. Por este motivo, grandes estruturas, como pontes, são construídas com juntas de dilatação que lhes permitem alguma margem de expansão e contração sem causar danos.

3. 20% do oxigênio da Terra é produzido pela floresta amazônica

Nossa atmosfera é composta de aproximadamente 78% de nitrogênio e 21% de oxigênio, com vários outros gases presentes em pequenas quantidades. A grande maioria dos organismos vivos na Terra precisa de oxigênio para sobreviver, convertendo-o em dióxido de carbono ao respirar. Felizmente, as plantas reabastecem continuamente os níveis de oxigênio do nosso planeta por meio da fotossíntese. Durante esse processo, o dióxido de carbono e a água são convertidos em energia, liberando oxigênio como subproduto. Cobrindo 5,5 milhões de quilômetros quadrados (2,1 milhões de milhas quadradas), a floresta amazônica dá um ciclo em uma proporção significativa do oxigênio da Terra, absorvendo grandes quantidades de dióxido de carbono ao mesmo tempo.

4. Alguns metais são tão reativos que explodem em contato com a água

Existem certos metais - incluindo potássio, sódio, lítio, rubídio e césio - que são tão reativos que oxidam (ou embaçam) instantaneamente quando expostos ao ar. Eles podem até produzir explosões quando caídos na água! Todos os elementos se esforçam para ser quimicamente estáveis ​​- em outras palavras, para ter uma camada externa completa de elétrons. Para conseguir isso, os metais tendem a liberar elétrons. Os metais alcalinos têm apenas um elétron em sua camada externa, o que os torna extremamente ansiosos para passar esse passageiro indesejado a outro elemento por meio de ligação. Como resultado, eles formam compostos com outros elementos tão prontamente que não existem independentemente na natureza.

5. Uma colher de chá de estrela de nêutrons pesaria 6 bilhões de toneladas

Uma estrela de nêutrons é o que resta de uma estrela massiva que ficou sem combustível. A estrela moribunda explode em uma supernova enquanto seu núcleo colapsa sobre si mesmo devido à gravidade, formando uma estrela de nêutrons superdensa. Os astrônomos medem as massas assustadoramente grandes de estrelas ou galáxias em massas solares, com uma massa solar igual à massa do Sol (ou seja, 2 x 1030 quilogramas / 4,4 x 1030 libras). As estrelas de nêutrons típicas têm uma massa de até três massas solares, que é amontoada em uma esfera com um raio de aproximadamente dez quilômetros (6,2 milhas) - resultando em algumas das matérias mais densas do universo conhecido.

6. O Havaí se aproxima 7,5 cm do Alasca todos os anos

A crosta terrestre é dividida em pedaços gigantes chamados de placas tectônicas.Essas placas estão em movimento constante, impulsionadas por correntes no manto superior da Terra. Rochas quentes e menos densas sobem antes de resfriar e afundar, dando origem a correntes de convecção circular que agem como correias transportadoras gigantes, deslocando lentamente as placas tectônicas acima delas. O Havaí fica no meio da placa do Pacífico, que está vagarosamente à deriva para noroeste em direção à placa da América do Norte, de volta ao Alasca. O ritmo dos pratos é comparável à velocidade com que nossas unhas crescem.

7. O giz é feito de trilhões de fósseis de plâncton microscópico

Minúsculas algas unicelulares chamadas coccolitóforos viveram nos oceanos da Terra por 200 milhões de anos. Ao contrário de qualquer outra planta marinha, eles se cercam de minúsculas placas de calcita (cocólitos). Há pouco menos de 100 milhões de anos, as condições eram perfeitas para os coccolitóforos se acumularem em uma camada espessa revestindo o fundo do oceano em um lodo branco. À medida que mais sedimentos se acumulavam no topo, a pressão comprimia os cocólitos para formar rocha, criando depósitos de giz, como os penhascos brancos de Dover. Os coccolitóforos são apenas uma das muitas espécies pré-históricas que foram imortalizadas na forma fóssil, mas como sabemos a idade deles? Com o tempo, as rochas se formam em camadas horizontais, deixando as rochas mais antigas no fundo e as mais novas no topo. Ao estudar o tipo de rocha em que um fóssil é encontrado, os paleontólogos podem adivinhar sua idade. A datação por carbono estima a idade de um fóssil com mais precisão, com base na taxa de decomposição de elementos radioativos, como o carbono-14.

8. Em 2,3 bilhões de anos, será muito quente para a existência de vida na Terra

Ao longo das próximas centenas de milhões de anos, o Sol continuará a ficar cada vez mais brilhante e quente. Em pouco mais de 2 bilhões de anos, as temperaturas serão altas o suficiente para evaporar nossos oceanos, tornando a vida na Terra impossível. Nosso planeta se tornará um vasto deserto semelhante a Marte hoje. À medida que se expande para uma gigante vermelha nos próximos bilhões de anos, os cientistas prevêem que o Sol finalmente engolfará a Terra por completo, significando o fim definitivo de nosso planeta.

9. Os ursos polares são quase indetectáveis ​​por câmeras infravermelhas

As câmeras térmicas detectam o calor perdido por um objeto como infravermelho, mas os ursos polares são especialistas em conservação de calor. Os ursos se aquecem devido a uma espessa camada de gordura sob a pele. Adicione a isso um casaco de pele densa e eles podem suportar o dia mais frio do Ártico.

10. Leva 8 minutos e 19 segundos para a luz viajar do Sol para a Terra

No espaço, a luz viaja a 300.000 quilômetros (186.000 milhas) por segundo. Mesmo nessa velocidade vertiginosa, cobrir os 150 milhões de quilômetros ímpares (93 milhões de milhas) entre nós e o Sol leva um tempo considerável. E oito minutos ainda é muito pouco em comparação com as cinco horas e meia que leva para a luz do Sol chegar a Plutão.

11. Se você tirar todo o espaço vazio em nossos átomos, a raça humana poderia caber no volume de um cubo de açúcar

Os átomos que compõem o mundo ao nosso redor parecem sólidos, mas na verdade são mais de 99,99999 por cento de espaço vazio. Um átomo consiste em um núcleo minúsculo e denso cercado por uma nuvem de elétrons, espalhada por uma área proporcionalmente vasta. Isso ocorre porque, além de serem partículas, os elétrons agem como ondas. Os elétrons só podem existir onde as cristas e vales dessas ondas se somam corretamente. E em vez de existir em um ponto, a localização de cada elétron é espalhada por uma gama de probabilidades - um orbital. Portanto, eles ocupam uma grande quantidade de espaço.

12. O ácido do estômago é forte o suficiente para dissolver o aço inoxidável

Seu estômago digere os alimentos graças ao ácido clorídrico altamente corrosivo com um pH de 2 a 3. Esse ácido também ataca o revestimento do estômago, que se protege secretando uma solução de bicarbonato alcalino. O forro ainda precisa ser substituído continuamente e se renova totalmente a cada quatro dias.

13. A Terra é um ímã gigante

O núcleo interno da Terra é uma esfera de ferro sólido, rodeada por ferro líquido. Variações de temperatura e densidade criam correntes neste ferro, que por sua vez produzem correntes elétricas. Alinhadas pelo giro da Terra, essas correntes se combinam para criar um campo magnético, usado por agulhas de bússola em todo o mundo.

14. Vênus é o único planeta a girar no sentido horário

Nosso Sistema Solar começou como uma nuvem rodopiante de poeira e gás que acabou colapsando em um disco giratório com o Sol em seu centro. Por causa dessa origem comum, todos os planetas se movem ao redor do Sol na mesma direção e aproximadamente no mesmo plano. Eles também giram todos na mesma direção (sentido anti-horário se observados 'de cima') - exceto Urano e Vênus. Urano gira de lado, enquanto Vênus desafiadoramente gira na direção totalmente oposta. A causa mais provável desses estranhos planetários são asteróides gigantescos que os desviaram do curso em um passado distante.

15. Uma pulga pode acelerar mais rápido que o ônibus espacial

Uma pulga pulando atinge alturas vertiginosas de cerca de oito centímetros (três polegadas) em um milissegundo. Aceleração é a mudança na velocidade de um objeto ao longo do tempo, frequentemente medida em 'gs, com um g igual à aceleração causada pela gravidade na Terra (9,8 metros / 32,2 pés por segundo quadrado). As pulgas experimentam 100 g, enquanto o ônibus espacial atingiu o pico com cerca de 5 g. O segredo da pulga é uma proteína elástica semelhante à borracha que permite armazenar e liberar energia como uma mola.


Rir diante da morte: o Dia de Muertos

Você pode fazer como os espartanos, que fixam a morte nos olhos. Alternativamente, você pode fazer como os mexicanos para o Dia de Muertos e rir dela.

A cultura mexicana imagina o reinado da Morte como um mundo alegre e colorido, cheio de vitalidade e alegria. Na verdade, transformar a morte em um momento feliz é uma ideia brilhante. Não é o Hades dos clássicos, tristes e cinzentos, mas também não é o Paraíso dos monoteístas, sério e solene: é uma vida após a morte espiritual e divertida.

Um belo trecho dessa vida após a morte está no filme & ldquoCoco & rdquo, obra-prima da Disney & rsquos e na animação da Disney de Tim Burton & rsquos & ldquoThe Corpse Bride & rdquo.

Além disso, há o Dia de Muertos, no México. Rostos coloridos, caveiras pintadas, esqueletos sorridentes. Entre eles, está Catrina, uma caveira sorridente, totalmente vestida, inventada por um ilustrador no final do século XIX. Sempre alegre e elegante, Catrina tem um chapéu cheio de rosas.


  • Os monges Aghori de Varanasi são temidos em toda a Índia por suas práticas extremas
  • Diz-se que os monges são capazes de prever o futuro e fazer profecias malignas
  • A tribo exilada acredita no envolvimento em práticas tabu em busca de iluminação espiritual

Publicado: 10:04 BST, 2 de março de 2015 | Atualizado: 21:21 BST, 3 de março de 2015

Temidos em toda a Índia, os monges Aghori exilados de Varanasi comem carne humana e residem perto de locais de cremação em busca de iluminação espiritual.

Mostrando os monges com rostos pintados e miçangas penduradas no pescoço, essas incríveis imagens foram tiradas pelo fotógrafo italiano Cristiano Ostinelli, que passou um tempo com a tribo para descobrir mais sobre seu modo de vida.

Os misteriosos membros da tribo vivem em cemitérios e festejam com carne humana como parte de seus rituais, além de beberem de crânios humanos, mastigar cabeças de animais vivos e meditar em cima de cadáveres em busca de iluminação espiritual.

Os monges Aghori de Varanasi são temidos em toda a Índia e acredita-se que sejam capazes de ver o futuro

O fotógrafo italiano Cristiano Ostinelli passou um tempo com a misteriosa tribo para capturar seu misterioso modo de vida

Os monges se banqueteiam com carne humana, bebem de crânios humanos e até dizem que arrancam cabeças de animais vivos para seus rituais

Ostinelli explicou: 'Há um grande mistério em torno deles e os índios os temem, dizem que podem prever o futuro, andar sobre as águas e fazer profecias malignas.'

Os monges usam uma combinação de maconha, álcool e meditação para ajudá-los a atingir um estado desconectado de consciência intensificada e se aproximar do reverenciado deus hindu Lord Shiva.

Os Aghori também acreditam que ao mergulhar sem preconceito no que os outros consideram tabu ou perturbador, eles estão no caminho certo para alcançar a iluminação.

A tribo Varanasi mora perto de locais de cremação e usa uma combinação de álcool e maconha com meditação para alcançar a iluminação

As raízes dos monges remontam ao puritano Baba Kinaram do século 17, que teria vivido até a idade de 170 anos.

Com rostos pintados e muitas vezes vistos vestindo pouca ou nenhuma roupa, seu modo de vida desencoraja o apego às ilusões terrenas

Os monges acreditam que o corpo é inconseqüente e a carne e o sangue são simplesmente transitórios, razão pela qual eles se cercam de morte e decadência

Eles vivem entre os locais de cremação da Índia - onde o Senhor Shiva e a deusa Kali Ma moram - e se alimentam do que os outros jogam fora.

Os corpos são frequentemente cremados e depois espalhados no sagrado rio Ganges, mas alguns corpos são eliminados sem cremação.


Significado do búfalo branco e seu significado espiritual

O búfalo branco é considerado um animal sagrado. Quando o vemos em nossos sonhos ou prática de meditação, isso sugere que uma bênção está a caminho. Segundo os mitos nativos americanos, o búfalo está ligado ao cachimbo ou à fumaça. Diz a lenda que a Mulher Bezerro-Búfalo Branco transmitiu sabedoria aos Lakota na forma de agricultura e também de como viver no Universo como um todo.

Por meios metafísicos, ela deixou uma mensagem de que todas as coisas estão interligadas. Ela incutiu sabedoria nos Lakota para valorizar o ser humano, pois cada um de nós impacta tudo em uma escala maior. Ela também deu ao povo o Cachimbo Sagrado que, quando usado, pode traduzir sua sabedoria para o que nossos cérebros podem entender.

Conforme o crânio do búfalo é transformado em esculturas artísticas, o impacto é ampliado. Os padrões cinzelados em um crânio de búfalo esculpido lavam o antigo significado da relíquia no oposto de negatividade, medo e morte.


O significado dos crânios na arte ao redor do mundo

Este post faz parte da ArtSmart Roundtable, um grupo de blogueiros apaixonados por arte e viagens. Você pode descobrir mais em nossa página do Facebook, ou vá até o final para ler as outras parcelas deste mês & # 8217s tema: Finais.

Os símbolos são um dos elementos mais poderosos da indústria da arte, onde um único objeto, por mais simples que seja representado, evoca uma questão social, uma emoção ou uma história inteira.

Pegue o coração, por exemplo. É uma forma simples, mas representa o amor, uma das emoções e sentimentos mais importantes e valorizados do mundo.

Com o tempo, os símbolos se tornam cada vez mais abstratos à medida que mudam e se transformam com o tempo, mas seus significados permanecem gravados na história e em nossas mentes coletivas.

Sempre que você vê um coração, o que você pensa imediatamente?

Mas esta postagem não é sobre corações. Este post é sobre quase a coisa totalmente oposta - crânios.

Para a maior parte do mundo, os crânios são uma representação da morte. Eles são um lembrete gritante de nossa mortalidade e um dos símbolos mais poderosos do planeta.

No entanto, embora os crânios possam claramente ter conotações de morte, eles também têm centenas de outros significados em todo o mundo e, mais frequentemente, em todo o mundo da arte.

Em alguns lugares, os crânios representam transformação e mudança, enquanto outras vezes podem determinar riqueza, poder, força e proteção.

Como humanos, prontamente atribuímos significado aos objetos para tornar nossa compreensão do mundo muito mais suave e para criar “atalhos” em nossos cérebros para dar sentido a tudo ao nosso redor.

Mas às vezes, essas associações simplesmente não correspondem de um canto do mundo para outro.

E, em alguns casos, eles não correspondem de uma pessoa para outra. Assim como os significados universais por trás dos símbolos mais reconhecíveis, criamos nossa própria compreensão deles por meio de nossas experiências pessoais, aprendizados e perspectiva.

Isso resulta em uma série de representações de crânios (e outros símbolos) espalhados ao longo da história, especialmente no reino criativo.

Para celebrar os mortos

No México, os crânios são decorados com cores e padrões berrantes para comemorar os mortos. O Dia de los Muertos anual (Dia dos Mortos) é um momento para as famílias se reunirem, vestir-se, festejar e celebrar a vida daqueles que perderam.

As caveiras de açúcar, como são conhecidas, são os símbolos desta época do ano.

Durante o festival, crânios decorados são colocados ao redor das lápides dos mortos para criar decorações extravagantes que celebram a morte em vez de lamentar a perda de parentes e amigos.

Eles são conhecidos como crânios de açúcar porque foram originalmente feitos de açúcar moldado e decorados com penas brilhantes, contas e glacê. Hoje, eles são feitos de todos os tipos de materiais, mas todos eles permanecem semelhantes em design, reconhecíveis pelas amarrações das flores, as cores vivas e os detalhes intrincados ao redor dos olhos e da boca.

Para Significar Vaidade

Em sua essência, os crânios são a representação mais simples do ser humano, incluindo todas as suas características e falhas. Em sua ilustração de 1892, Charles Allan Gilbert usou a forma de uma caveira para representar a vaidade. Na pintura, uma senhora é mostrada sentada em uma penteadeira, olhando-se no espelho. A forma como a imagem é composta significa que os componentes se unem para criar o contorno de uma caveira.

À primeira vista, a ilustração se parece apenas com o contorno de um crânio. Mas olhe mais de perto e você descobrirá a cena que está acontecendo sob o símbolo inicial da vida e morte humanas.

Esta representação inteligente incentiva os espectadores a olharem abaixo do valor superficial de uma peça (da mesma forma que olhar sob o exterior vão de um indivíduo), criando a ideia de que tanto o sujeito quanto o espectador estão praticando ideais vãos.

Para Mostrar Mudança e Transformação

Para muitas culturas ao redor do mundo, a morte não é o fim da vida.

Na verdade, é apenas o próximo passo na história, após o qual existem vários outros caminhos a seguir.

Isso também é celebrado no México, por isso o Dia de los Muertos é um festival divertido que celebra a vida e não o luto pela morte, como grande parte do mundo ocidental.

Nesse caso, a morte marca uma virada de ponta na narrativa da vida, que é exatamente o que a caveira representa na carta do Tarô da morte.

Bem, não acredito muito nas cartas de tarô, mas é interessante ver como o símbolo de uma caveira é usado a esse respeito - não apenas uma obra de arte, mas também um símbolo tradicional que representa algo não tão "tradicional" .

Decorações simplesmente macabras e peculiares

O significado simbólico por trás de uma caveira evoluiu ao longo dos anos e recentemente se transformou em um emblema "legal" tatuado nos antebraços, espalhado em camisetas e pintado em itens decorativos impressos.

Nesses casos, a imagem do crânio pode muito bem representar algo diferente para o “usuário” e o observador. E, para muitos, é simplesmente um elemento decorativo elegante, muito parecido com uma flor ou um padrão geométrico.

Basta olhar para o crânio de diamante de Damien Hirst para ver a elevação do crânio como uma declaração de moda.

Mas também foi usado como meio para criar outros padrões, como no trabalho de Sasha Vinogradova. Ela usa crânios como tela para mostrar estilos artísticos russos - os crânios são uma espécie de reflexão tardia, criando um tom macabro para peças lúdicas.

Os crânios ainda mantêm um enorme status simbólico em todo o mundo, e não tenho dúvidas de que continuaremos a ver suas formas afundadas aparecerem na arte de todas as variedades diferentes.

Essa é a beleza da indústria criativa - a ideia de que formas familiares podem ser usadas para assumir narrativas novas, às vezes estranhas, dependendo de seu pano de fundo social e da experiência pessoal de seus criadores.

Veja Georgia O’Keeffe como outro exemplo de artista que estampa suas próprias histórias pessoais em um símbolo universal. Depois que ela se mudou para o Novo México, O’Keeffe tropeçou em centenas de caveiras de vacas e cavalos no deserto.

Não querendo deixá-los de fora na paisagem árida, ela os trouxe para casa e começou a pintá-los, imortalizando-os de maneiras que seriam completamente impossíveis na vida real.

O que as caveiras significam para você e você tem uma obra de arte favorita que inclui o símbolo de uma caveira?


Faróis no Lago Superior

1. Farol Point Iroquois Brimley
Guardando a entrada para o Rio St. Mary, onde o Lago Superior flui através de Sault Ste. As eclusas de Marie, o farol de Point Iroquois foi construído em 1855. A adorável luz branca foi desativada em 1962 em favor de um farol mais novo, e os visitantes adoram visitar o farol restaurado para escalar sua torre de 65 pés e apreciar a vista do Lago Superior abaixo.

2. Great Lakes Shipwreck Museum & amp Whitefish Point Light Station Paraíso
Situado ao longo da Costa do Naufrágio de Michigan - cerca de 200 naufrágios estão ao largo da costa - o farol de Whitefish Point se ergue em meio a um agrupamento de edifícios de estação de resgate vermelhos e brancos. Os aposentos da tripulação da estação salva-vidas de 1923 foram convertidos em um pequeno hotel. O resto dos edifícios, que datam de 1861, incluem exposições sobre a manutenção de faróis e salvamento de vidas no século 20 e início do século 19, bem como o excelente Museu de Naufrágios dos Grandes Lagos. Procure o artefato valioso do museu: o sino do navio resgatado do Edmund Fitzgerald.

3. Farol de Crisp Point Paraíso

Farol de Crisp Point no paraíso | Foto cedida por fã do Instagram caryn_ashley


O farol de Crisp Point fica perto do sinistro Shipwreck Alley do Lago Superior, onde muitos navios dos Grandes Lagos foram perdidos ao longo dos anos. Construída em 1904, a luz alta e branca era uma das cinco estações salva-vidas dos EUA na costa do Lago Superior. Durante todo o verão, os visitantes podem visitar o farol e o centro de visitantes.

4. Luzes da Cordilheira do Grand Marais Grand Marais
As luzes de alcance externo e interno em Grand Marais foram construídas em 1908. Os navios que entravam no porto alinhavam as luzes dos dois faróis. Quando os dois pareciam ser uma única luz, a tripulação do navio sabia que eles estavam bem posicionados para navegar com segurança no porto. No museu do faroleiro do outro lado da rua, um pequeno museu relata a vida marítima nos Grandes Lagos. Perto está um monumento em homenagem aos pescadores que se perderam no Lago Superior.

5. Estação de luz Au Sable Praia do Lago Nacional de Pedras na foto
É uma caminhada de 1 ½ milha ao longo de uma trilha de cascalho para acessar o farol Au Sable de Pictured Rocks.Mas a caminhada é adorável, seguindo a orla da costa do Lago Superior e, ocasionalmente, oferecendo vistas de destroços de naufrágios na superfície da água. O Au Sable Light de 87 pés está ativo desde 1874 e inclui a casa de um guardião original com um pequeno museu. Um prédio menor de 1909 recria as condições de vida dos tratadores do início do século 20.

6. Faróis da Cordilheira de Munising Praia do Lago Nacional de Pedras na foto
Construída em 1908, as luzes da Cordilheira Munising iluminaram o caminho para os navios que se dirigiam ao porto, permitindo-lhes evitar bater na traiçoeira península de Grand Island chamada Thumb. Cedidas ao Pictured Rocks National Lakeshore em 2002, as luzes ainda ajudam a navegação dentro do parque nacional. Os aposentos do antigo guardião foram convertidos para a Divisão de Ciência e Recursos Naturais da margem do lago.

7. Farol do Canal Leste de Grand Island Praia do Lago Nacional de Pedras na foto

Farol do canal leste de Grand Island | Cortesia da foto de Trevor Mahlmann


Construída em 1870, a luz do Canal Leste de Grand Island está cercada pela natureza selvagem do Lago Pictured Rocks National. Embora a luz seja de propriedade privada e inacessível aos viajantes, seu exterior de madeira envelhecido é tão atraente que os fotógrafos amadores ainda são atraídos para fotografar a luz em cruzeiros de barco pelo canal.

8. Farol de Marquette Harbor e Museu Marítimo Marquette
Situado no final de uma adorável passarela fora da cidade de Marquette, o Marquette Harbor Light vermelho brilhante foi originalmente aceso em 1866 com um segundo andar adicionado em 1909. O Marquette Harbor Light teve um papel vital na proteção dos navios que entravam nas docas de carvão da cidade no século 19, que, até a abertura das minas de Minnesota na década de 1890, formava o porto de minério de ferro mais importante dos Grandes Lagos. O farol inclui um belo museu marítimo e oferece passeios públicos.

9. Farol da Ilha de Granito Marquette

Farol da ilha de granito em marquette | Foto cedida por fã do Instagram emmafink


A minúscula Ilha de Granito surge acima da superfície do Lago Superior ao norte da cidade de Marquette, com seu promontório rochoso encimado pelo Farol da Ilha de Granito. Originalmente construído em 1869, o farol de pedra passou por horríveis reparos após sua desativação. Mas uma renovação completa da luz foi concluída em 2011. O Farol da Ilha de Granito está disponível para aluguel para eventos especiais.

10. Alojamento e pequeno-almoço em Big Bay Point Lighthouse Big Bay
O Farol de Big Bay Point, de tijolos vermelhos, tem 18 metros de altura, sua torre quadrada data de 1896 e encimada por uma lanterna branca deslumbrante. Situado acima do Lago Superior, no topo de um penhasco de arenito, Big Bay Point foi convertido em uma pousada com 7 quartos com nomes de ex-faroleiros e mobiliados com móveis de época. A luz tem vista para a Big Bay do Lago Superior, suas florestas circundantes de madeira e pinheiros e, ao longe, as imponentes Montanhas Huron.

11. Farol do Rio Portage Jacobsville
Situado na entrada do Rio Portage, na extremidade leste da Península Keweenaw, o Farol do Rio Portage foi construído em 1869. Suba na torre de tijolos brancos para ter vistas da Baía de Keweenaw ou fique um pouco. A casa do guardião de tijolos da luz foi convertida em um B & ampB com dois quartos.

12. Gull Rock Light Copper Harbor
Construído em 1868 em uma pequena ilha ao largo da costa da Península de Keweenaw, o primeiro faroleiro de Gull Rock observou que um total de 2 metros de gelo do Lago Superior se formou na pequena ilha no inverno. Ainda assim, o Gull Rock Lighthouse, pintado de branco e com torres quadradas, sobreviveu e está atualmente em reforma. Depois de totalmente restaurado, a associação do guardião local planeja abrir a luz para passeios públicos.

13. Copper Harbor Light Copper Harbor
Situado no coração de Copper Harbour, a porta de entrada para a melhor recreação ao ar livre da Península Keweenaw e ponto de partida de balsas para a Ilha Royale, o Copper Harbour Light foi construído em 1861. Visite o farol de tijolos cor de mel e sua torre quadrada e veja o Copper O porto e sua luz da água em um passeio de barco que sai da luz.

14. Farol e Museu de Eagle Harbor Eagle Harbor

Eagle Harbor Light | Foto cortesia de Pure Michigan


A torre octogonal de tijolos do Farol de Eagle Harbor foi construída em 1851 para alertar os navios que se aproximam da sua proximidade com a Península de Keweenaw. A luz ainda está ativa e aberta para visitas, e a residência do faroleiro pitoresca abriga um pequeno museu marítimo.

15. Farol de Ontonagon Ontonagon
Construído em 1866, o Farol de Ontonagon de tijolos arrumado ostenta sua posição como o farol mais antigo em pé no continente Keweenaw. Passeie pelas três histórias do farol. Suba até o topo de sua torre e desfrute das vistas do Lago Superior e das Montanhas Porcupine. As excursões incluem a entrada no Ontonagon County Historical Museum.

16. Farol da Ilha Menagerie Isle Royale
Construído em 1875, os aposentos exclusivos do guardião de rocha e arenito vermelho e sua torre octogonal branca fazem do Farol da Ilha Menagerie um destaque em passeios de barco ao redor da Ilha Royale. Na verdade, a luz continua ajudando na navegação pelo parque nacional. Visitas públicas ao farol não são permitidas, embora você possa caminhar pelo terreno. O acesso é apenas através de barco privado.

17. Rock Harbor Light Isle Royale
O farol de tijolos e pedras em Rock Harbor da Ilha Royale forma um marco amado, sua torre branca e lanterna preta elevando-se acima da costa acidentada e dos pinheiros circundantes. Visite o farol mais antigo da Isle Royale e suas exibições marítimas em uma excursão NPS guiada que inclui uma parada na vizinha Edisen Fishery.

18. Farol da Ilha de Passagem Isle Royale
Construído em 1872 próximo ao extremo leste da Ilha Royale, o Passage Island Lighthouse é parte de um popular passeio de barco saindo de Rock Harbor. Embarque no MV Sandy para um cruzeiro de 13 km até Passage Island. De lá, um guia NPS conduz uma caminhada de 2 milhas de ida e volta até o farol de pedra.


O incrível mundo de crânios pintados e casas de ossos - História

Esta montanha de crânios empilhados no meio-oeste em meados da década de 1870 captura a extensão da matança de búfalos realizada pelos colonizadores americanos. Fonte da imagem: Wikimedia Commons

O bisão americano já foi o símbolo de um país vasto e ilimitado cheio de terras aparentemente infinitas e oportunidades igualmente infinitas. Mas os colonos americanos logo garantiram que o bisão acabaria por simbolizar o lado escuro e feio do & # 8220 destino manifesto. & # 8221

As estimativas de quantos bisões costumavam vagar pelo meio-oeste antes da chegada dos colonos europeus variam de 30 a 60 milhões. Antigamente, os nativos americanos viviam em harmonia com esses rebanhos migratórios, enquanto usavam o bisão como alimento, suas peles como roupa e abrigo e seus ossos como ferramentas e armas.

Mas os colonos americanos avançando do leste estavam famintos por mais terras e mais recursos, incluindo bisões. Os caçadores em trens cross-country até miravam nas criaturas selvagens de suas janelas e abatiam vários de uma vez.

O trem de caça então diminuía a velocidade até parar para que as pessoas tirassem a pele dos animais em troca de casacos ou cortassem suas línguas para iguarias culinárias nas cidades ao longo da costa leste. Ao contrário dos nativos americanos, esses caçadores deixaram o resto do bisão apodrecer.

No geral, entre 1800 e 1900, a população de bisões foi reduzida de 30-60 milhões estimados para aproximadamente 325. Embora seja difícil obter estatísticas mais exatas sobre a quantidade de bisões mortos por colonos, o escopo completo do problema pode ser vislumbrados nos números de uma empresa ferroviária: 500.000 peles de bisões enviadas para o leste entre apenas 1872 e 1874.

Por mais surpreendentes que sejam os números por trás dessa matança em massa de búfalos, a maioria dos colonos parecia ver o animal como apenas um pequeno passo no destino manifesto, a crença quase religiosa de que os colonos americanos estavam destinados a possuir as terras do Novo Mundo desde do Atlântico ao Pacífico.

Até mesmo o extermínio das populações nativas americanas & # 8212 outra enorme vítima do destino manifesto & # 8212 está diretamente ligado ao bisão.

& # 8220Eu não lamentaria seriamente o desaparecimento total do búfalo de nossas planícies ocidentais, em seus efeitos sobre os índios, & # 8221 Columbus Delano, Secretário do Interior, escreveu em 1873.

No ano seguinte, o General Philip Sheridan, um lutador líder nas Guerras Indígenas, disse ao Legislativo do Texas que os caçadores de bisões estavam & # 8220destruindo o comissário indiano & # 8217s & # 8221 e as pessoas deveriam deixá-los & # 8220 matar, esfolar e vender até que os búfalos sejam exterminados. & # 8221

Conflitos e ideologias como esses são muitas vezes difíceis de visualizar em termos concretos e imagens sólidas. Mas, no caso do destino manifesto, não é preciso ir além da matança dos búfalos.

Hoje, no entanto, por meio de esforços cuidadosos de conservação e manejo da terra, a população de bisões voltou para cerca de 500.000.


Conteúdo

Georgia O'Keeffe nasceu em 15 de novembro de 1887, [2] [7] em uma casa de fazenda localizada em 2405 Hwy T na cidade de Sun Prairie, Wisconsin. [8] [9] Seus pais, Francis Calyxtus O'Keeffe e Ida (Totto) O'Keeffe, eram produtores de leite. Seu pai era descendente de irlandeses. Seu avô materno George Victor Totto, que deu nome a O'Keeffe, era um conde húngaro que veio para os Estados Unidos em 1848. [2] [10]

O'Keeffe era o segundo de sete filhos. [2] Ela frequentou a Town Hall School em Sun Prairie. [11] Aos 10 anos, ela decidiu se tornar uma artista, [12] e com suas irmãs, Ida e Anita, [13] ela recebeu instruções de arte da aquarela local Sara Mann. O'Keeffe cursou o ensino médio na Sacred Heart Academy em Madison, Wisconsin, como interno entre 1901 e 1902. No final de 1902, os O'Keeffes se mudaram de Wisconsin para o bairro coeso de Peacock Hill em Williamsburg, Virginia. A família aparentemente se mudou para a Virgínia para que o pai de O'Keeffe pudesse começar um negócio de fabricação de blocos de concreto fundido rusticado em antecipação à demanda pelo bloco no comércio de construção da Península, mas a demanda nunca se materializou. [14] O'Keeffe ficou em Wisconsin com sua tia estudando na Madison Central High School [15] até se juntar a sua família na Virgínia em 1903. Ela concluiu o ensino médio como pensionista no Chatham Episcopal Institute na Virgínia (agora Chatham Hall), e se formou em 1905. Em Chatham, ela se tornou membro da Kappa Delta Sorority [2] [11] quando ela teve um capítulo na escola no início de 1900.

O'Keeffe ensinava e chefiava o departamento de arte do West Texas State Normal College e cuidava de sua irmã mais nova, Claudia, a pedido de sua mãe. [16] Em 1917, ela visitou seu irmão, Alexis, em um acampamento militar no Texas antes de ele embarcar para a Europa durante a Primeira Guerra Mundial. Enquanto estava lá, ela criou a pintura, A bandeira, [17] que expressou sua ansiedade e depressão em relação à guerra. [18]

Educação e início de carreira Editar

O'Keeffe estudou e se classificou como a primeira de sua classe na School of the Art Institute of Chicago de 1905 a 1906, estudando com John Vanderpoel. [2] [12] Devido à febre tifóide, ela teve que interromper os estudos por um ano. [2] Em 1907, ela participou da Art Students League na cidade de Nova York, onde estudou com William Merritt Chase, Kenyon Cox e F. Luis Mora. [2] Em 1908, ela ganhou o prêmio de natureza morta William Merritt Chase da League por sua pintura a óleo Coelho Morto com Pote de Cobre. Seu prêmio foi uma bolsa de estudos para frequentar a escola de verão ao ar livre da League em Lake George, Nova York. [2] Enquanto estava na cidade, O'Keeffe visitou galerias, como a 291, copropriedade de seu futuro marido, o fotógrafo Alfred Stieglitz. A galeria promoveu o trabalho de artistas de vanguarda dos Estados Unidos e da Europa e de fotógrafos. [2]

Em 1908, O'Keeffe descobriu que não seria capaz de financiar seus estudos. Seu pai havia falido e sua mãe estava gravemente doente, com tuberculose. [2] Ela também não estava interessada em criar uma carreira como pintora com base na tradição mimética que formou a base de seu treinamento artístico. [12] Ela conseguiu um emprego em Chicago como artista comercial e trabalhou lá até 1910, quando voltou para a Virgínia para se recuperar de um caso de sarampo [19] e mais tarde se mudou com sua família para Charlottesville. [2] Ela não pintou por quatro anos e disse que o cheiro de terebintina a deixava doente. [12] Ela começou a ensinar arte em 1911. Um de seus cargos foi em sua antiga escola, Chatham Episcopal Institute na Virgínia. [2] [20]

Ela teve um curso de arte de verão em 1912 na University of Virginia de Alon Bement, que era um membro do corpo docente da Columbia University Teachers College. Com Bement, ela aprendeu ideias inovadoras de Arthur Wesley Dow, um colega de seu instrutor. A abordagem da Dow foi influenciada pelos princípios da arte japonesa em relação ao design e à composição. Ela começou a experimentar composições abstratas e a desenvolver um estilo pessoal que se afastou do realismo. [2] [12] De 1912 a 1914, ela ensinou arte nas escolas públicas de Amarillo, no Texas Panhandle, e foi professora assistente de Bement durante os verões. [2] Ela teve aulas na Universidade da Virgínia por mais dois verões. [21] Ela também teve uma aula na primavera de 1914 no Teachers College da Columbia University com a Dow, que influenciou ainda mais seu pensamento sobre o processo de fazer arte. [22] Seus estudos na Universidade da Virgínia, baseados nos princípios da Dow, foram fundamentais no desenvolvimento de O'Keeffe como artista. Por meio de sua exploração e crescimento como artista, ela ajudou a estabelecer o movimento do modernismo americano.

Ela lecionou no Columbia College, Columbia, Carolina do Sul no final de 1915, onde completou uma série de abstrações de carvão altamente inovadoras, [12] com base em suas sensações pessoais. [20] No início de 1916, O'Keeffe estava em Nova York no Teachers College, Columbia University. O'Keeffe enviou os desenhos a carvão para uma amiga e ex-colega de classe no Teachers College, Anita Pollitzer, que os levou para Alfred Stieglitz em sua 291 galeria no início de 1916. [23] Stieglitz descobriu que eles eram "as coisas mais puras, finas e sinceras que já haviam entrado 291 há muito tempo ", e disse que gostaria de mostrá-los. Em abril daquele ano, Stieglitz exibiu dez de seus desenhos em 291. [2] [12]

Depois de mais cursos na Columbia no início de 1916 e lecionando no verão para Bement, [2] ela foi a chefe do departamento de arte no início do outono de 1916 no West Texas State Normal College, em Canyon. [24] Ela começou uma série de pinturas em aquarela baseadas no cenário e vistas amplas durante suas caminhadas, [20] [25] incluindo pinturas vibrantes que ela fez do desfiladeiro Palo Duro. [26] O'Keeffe, que gostava de nascer e pôr do sol, desenvolveu uma predileção por cores intensas e noturnas. Com base em uma prática que começou na Carolina do Sul, O'Keeffe pintou para expressar suas sensações e sentimentos mais íntimos. Em vez de esboçar um desenho antes de pintar, ela criou desenhos livremente. O'Keeffe continuou a experimentar até que ela acreditou que realmente capturou seus sentimentos na aquarela, Luz chegando nas planícies No. I (1917). [20] Ela "capturou uma paisagem monumental nesta configuração simples, fundindo pigmentos azuis e verdes em graduações tonais quase indistintas que simulam o efeito pulsante da luz no horizonte do Texas Panhandle", de acordo com a autora Sharyn Rohlfsen Udall. [20] [25] Depois que seu relacionamento com Alfred Stieglitz começou, suas pinturas em aquarela terminaram rapidamente. Stieglitz a incentivou fortemente a desistir porque o uso de aquarela estava associado a artistas amadoras. [27]

New York Edit

Stieglitz, vinte e quatro anos mais velho que O'Keeffe, [27] forneceu apoio financeiro e arranjou uma residência e um lugar para ela pintar em Nova York em 1918. Eles desenvolveram um relacionamento pessoal próximo enquanto ele promovia seu trabalho. [2] Ela conheceu muitos dos primeiros modernistas americanos que faziam parte do círculo de artistas de Stieglitz, incluindo os pintores Charles Demuth, Arthur Dove, Marsden Hartley, John Marin e os fotógrafos Paul Strand e Edward Steichen. A fotografia de Strand, bem como a de Stieglitz e seus muitos amigos fotógrafos, inspirou o trabalho de O'Keeffe. Também nessa época, O'Keeffe adoeceu durante a pandemia de gripe de 1918. [10]

O'Keeffe começou a criar imagens simplificadas de coisas naturais, como folhas, flores e pedras. [28] Inspirado pelo Precisionismo, A maçã verde, concluído em 1922, retrata sua noção de vida simples e significativa. [29] O'Keeffe disse naquele ano, "é apenas por seleção, por eliminação e por ênfase que chegamos ao verdadeiro significado das coisas." [29] Blue and Green Music expressa os sentimentos de O'Keeffe sobre a música por meio da arte visual, usando cores ousadas e sutis. [30]

O'Keeffe, mais famosa por sua representação de flores, fez cerca de 200 pinturas de flores, [31] que em meados da década de 1920 eram representações de flores em grande escala, como se vistas através de uma lente de aumento, como Papoulas orientais [32] [33] e vários Red Canna pinturas. [34] Ela pintou sua primeira pintura de flores em grande escala, Petúnia, nº 2, em 1924 que foi exibido pela primeira vez em 1925. [2] Fazer representações ampliadas de objetos criou uma sensação de admiração e intensidade emocional. [28] Em 20 de novembro de 2014, O'Keeffe's Jimson Weed / Flor Branca No 1 (1932) foi vendido por $ 44.405.000 em 2014 em um leilão para a herdeira do Walmart Alice Walton, mais de três vezes o recorde mundial anterior em leilões para qualquer artista feminina. [35] [36]

A historiadora da arte Linda Nochlin interpretou Black Iris III (1926) como uma metáfora morfológica para a genitália feminina, mas O'Keeffe rejeitou essa interpretação, alegando que eram apenas fotos de flores. [37] [38]

Depois de se mudar para um apartamento de 30º andar no Shelton Hotel em 1925, que, em 2019, foi adicionado à lista do NYC LGBT Historic Sites Project, [39] O'Keeffe começou uma série de pinturas dos arranha-céus e do horizonte da cidade . [40] Uma de suas obras mais notáveis, que demonstra sua habilidade em retratar os edifícios no estilo Precisionista, é o Edifício do radiador - Noite, Nova York. [41] [42] Outros exemplos Rua Nova York com Lua (1925), [43] The Shelton with Sunspots, N.Y. (1926), [44] e Noite da cidade (1926). [2] Ela fez uma paisagem urbana, East River da trigésima história do Shelton Hotel em 1928, uma pintura de sua visão do East River e das fábricas emissoras de fumaça no Queens.[40] No ano seguinte, ela fez suas pinturas finais do horizonte e dos arranha-céus da cidade de Nova York e viajou para o Novo México, que se tornou uma fonte de inspiração para seu trabalho. [41]

Em 1924, Stieglitz organizou uma exibição simultânea das obras de arte de O'Keeffe e suas fotografias nas Galerias Anderson e organizou outras exposições importantes. [45] O Museu do Brooklyn realizou uma retrospectiva de seu trabalho em 1927. [23] Em 1928, ele anunciou à imprensa que seis de suas pinturas de copo-de-leite foram vendidas a um comprador anônimo na França por US $ 25.000, mas não há evidências de que esta transação ocorreu da maneira que Stieglitz relatou. No entanto, devido à imprensa, as pinturas de O'Keeffe foram vendidas por um preço mais alto a partir daquele momento. [46] [47] No final dos anos 20 ela era conhecida por seu trabalho como uma artista americana, especialmente pelas pinturas dos arranha-céus da cidade de Nova York e pinturas em close-up de flores. [45]

Taos Edit

O'Keeffe viajou para o Novo México em 1929 com sua amiga Rebecca Strand e ficou em Taos com Mabel Dodge Luhan, que forneceu estúdios para as mulheres. [48] ​​De seu quarto, ela tinha uma visão clara das montanhas Taos, bem como da morada (capela) do Hermanos de la Fraternidad Piadosa de Nuestro Padre Jesús Nazareno também conhecido como os Penintentes. [49] O'Keeffe fez muitas viagens de mochila, explorando as montanhas escarpadas e desertos da região naquele verão e mais tarde visitou a vizinha D. H. Lawrence Ranch, [48] onde ela completou sua agora famosa pintura a óleo, The Lawrence Tree, atualmente propriedade do Wadsworth Athenaeum em Hartford, Connecticut. [50] O'Keeffe visitou e pintou a histórica Igreja Missionária San Francisco de Asis em Ranchos de Taos. Ela fez várias pinturas da igreja, assim como muitos artistas, e sua pintura de um fragmento dela em silhueta contra o céu capturou-a de uma perspectiva única. [51] [52]

Novo México e Nova York Editar

O'Keeffe então passou parte de quase todos os anos trabalhando no Novo México. Ela coletou rochas e ossos do solo do deserto e os fez, junto com as formas arquitetônicas e paisagísticas distintas dos objetos da área em seu trabalho. [28] Conhecida como uma solitária, O'Keeffe explorou a terra que ela amou com frequência em seu Ford Modelo A, que ela comprou e aprendeu a dirigir em 1929. Ela sempre falava sobre sua predileção por Ghost Ranch e Norte do Novo México, como em 1943 , quando ela explicou, "Um lugar tão bonito, intocado e solitário, uma parte tão boa do que chamo de 'Longe'. É um lugar que já pintei antes. mesmo agora, devo fazê-lo novamente." [52]

O'Keeffe não trabalhou desde o final de 1932 até cerca de meados da década de 1930 [52] como ela sofreu vários colapsos nervosos e foi internada em um hospital psiquiátrico. [27] Esses colapsos nervosos foram o resultado de O'Keeffe saber do caso de seu marido. [27] Ela era uma artista popular, recebendo uma série de encomendas enquanto seus trabalhos eram exibidos em Nova York e outros lugares. [53] Em 1936, ela concluiu o que se tornaria uma de suas pinturas mais conhecidas, Dias de verão. Ele retrata uma cena do deserto com um crânio de veado com flores silvestres vibrantes. Semelhante Cabeça de carneiro com malva-rosa, ele retratou o crânio flutuando acima do horizonte. [53] [54]

Em 1938, a agência de publicidade N. W. Ayer & amp Son abordou O'Keeffe sobre a criação de duas pinturas para a Hawaiian Pineapple Company (agora Dole Food Company) usar em publicidade. [55] [56] [57] Outros artistas que produziram pinturas do Havaí para a publicidade da Hawaiian Pineapple Company incluem Lloyd Sexton Jr., Millard Sheets, Yasuo Kuniyoshi, Isamu Noguchi e Miguel Covarrubias. [58] A oferta veio em um momento crítico na vida de O'Keeffe: ela tinha 51 anos e sua carreira parecia estar estagnada (os críticos estavam chamando seu foco no Novo México de limitado, e marcando suas imagens do deserto "uma espécie de produção em massa" ) [59] Ela chegou a Honolulu em 8 de fevereiro de 1939, a bordo do SS Lurline e passou nove semanas em Oahu, Maui, Kauai e na ilha do Havaí. De longe, o período mais produtivo e vívido foi em Maui, onde ela teve total liberdade para explorar e pintar. [59] [60] Ela pintou flores, paisagens e os tradicionais anzóis havaianos. De volta a Nova York, O'Keeffe completou uma série de 20 pinturas sensuais e verdes. No entanto, ela não pintou o abacaxi solicitado até que a Hawaiian Pineapple Company enviou uma planta para seu estúdio em Nova York. [61]

Durante a década de 1940, O'Keeffe teve duas retrospectivas de uma mulher, a primeira no Art Institute of Chicago (1943). [28] Seu segundo foi em 1946, quando ela foi a primeira artista mulher a ter uma retrospectiva no Museu de Arte Moderna (MoMA) em Manhattan. [31] Whitney Museum of American Art começou um esforço para criar o primeiro catálogo de seu trabalho em meados da década de 1940. [53]

Na década de 1940, O'Keeffe fez uma extensa série de pinturas do que é chamado de "Black Place", cerca de 150 milhas (240 km) a oeste de sua casa Ghost Ranch. [62] O'Keeffe disse que o Black Place se assemelhava a "uma milha de elefantes com colinas cinzentas e areia branca a seus pés." [52] Ela fez pinturas do "Lugar Branco", uma formação rochosa branca localizada perto de sua casa em Abiquiú. [63]

Abiquiú Edit

Imagens externas
Céu acima das nuvens IV, 1965, óleo sobre tela, The Art Institute of Chicago.
Cachoeira - Fim da Estrada - Vale 'Iao, 1939, óleo sobre tela, Museu de Arte de Honolulu.

Em 1946, começa a fazer das formas arquitetônicas de sua casa Abiquiú - parede e porta do pátio - temas em seus trabalhos. [64] Outra pintura distinta foi Escada para a lua, 1958. [65] O'Keeffe produziu uma série de arte em nuvens, como Céu acima das nuvens em meados da década de 1960, que foram inspiradas por suas vistas das janelas do avião. [28]

Worcester Art Museum realizou uma retrospectiva de seu trabalho em 1960 [23] e dez anos depois, o Whitney Museum of American Art montou o Exposição Retrospectiva Georgia O'Keeffe. [45]

Em 1972, O'Keeffe perdeu grande parte de sua visão devido à degeneração macular, deixando-a apenas com a visão periférica. Ela parou de pintar a óleo sem ajuda em 1972. [66] Na década de 1970, ela fez uma série de trabalhos em aquarela. [67] Sua autobiografia, Georgia O'Keeffe, publicado em 1976 foi um best-seller. [45]

Judy Chicago deu a O'Keeffe um lugar de destaque nela O jantar (1979) em reconhecimento ao que muitas artistas feministas proeminentes consideraram a introdução inovadora de imagens sensuais e feministas em suas obras de arte. [68] Embora as feministas celebrassem O'Keeffe como a criadora da "iconografia feminina", [69] O'Keeffe se recusou a se juntar ao movimento artístico feminista ou cooperar com qualquer projeto exclusivamente feminino. [70] Ela não gostava de ser chamada de "mulher artista" e queria ser considerada uma "artista". [71]

Ela continuou trabalhando com lápis e carvão até 1984. [66]

Prêmios e homenagens Editar

Em 1938, O'Keeffe recebeu um grau honorário de "Doutor em Belas Artes" do The College of William & amp Mary. [72] Mais tarde, O'Keeffe foi eleito para a Academia Americana de Artes e Letras [23] e em 1966 foi eleito membro da Academia Americana de Artes e Ciências. [73] Entre seus prêmios e homenagens, O'Keeffe recebeu o prêmio M. Carey Thomas no Bryn Mawr College em 1971 e dois anos depois recebeu um título honorário da Universidade de Harvard. [23]

Em 1977, o presidente Gerald Ford presenteou O'Keeffe com a Medalha Presidencial da Liberdade, a maior homenagem concedida a civis americanos. [74] Em 1985, ela foi premiada com a Medalha Nacional de Artes pelo presidente Ronald Reagan. [45] Em 1993, ela foi introduzida no Hall da Fama Nacional das Mulheres. [75]

Edição de casamento

Em junho de 1918, O'Keeffe aceitou o convite de Stieglitz para se mudar para Nova York e aceitou seu apoio financeiro. Stieglitz, que era casado com uma mulher chamada Emmeline Obermeyer, foi morar com ela em julho. [28] [45]

Em fevereiro de 1921, as fotografias de Stieglitz de O'Keeffe foram incluídas em uma exposição retrospectiva nas Galerias Anderson. Stieglitz começou a fotografar O'Keeffe quando ela o visitou em Nova York para ver sua exposição de 1917, e continuou tirando fotos, muitas das quais nuas. Isso criou uma sensação pública. Quando ele se aposentou da fotografia em 1937, ele havia feito mais de 350 retratos e mais de 200 fotos dela nua. [28] [76] Em 1978, ela escreveu sobre o quão distante deles ela havia se tornado, "Quando eu olho as fotos que Stieglitz tirou de mim - algumas delas há mais de sessenta anos - eu me pergunto quem é essa pessoa. como se em minha única vida eu tivesse vivido muitas vidas. " [77]

Em 1924, Stieglitz se divorciou de sua esposa Emmeline e se casou com O'Keeffe. [45] Para o resto de suas vidas juntos, seu relacionamento era "um conluio. Um sistema de acordos e trocas, tacitamente acordado e executado, na maior parte, sem a troca de uma palavra. Preferindo evitar confronto na maioria das questões, O'Keeffe foi o principal agente de conluio em seu sindicato ", de acordo com a biógrafa Benita Eisler. [78] Eles moravam principalmente na cidade de Nova York, mas passavam os verões na casa de sua família, Oaklawn, em Lake George no interior do estado de Nova York. [45]

Saúde mental Editar

Em 1928, Stieglitz começou um caso de longa data com Dorothy Norman, e O'Keeffe perdeu o projeto de criar um mural para o Radio City Music Hall. Ela foi hospitalizada por depressão. [28] O'Keeffe começou a passar os verões pintando no Novo México em 1929. [45] Ela viajou de trem com sua amiga Rebecca Strand para Taos, onde moraram com a patrocinadora Mabel Dodge Luhan, que lhes forneceu estúdios. [48]

Editar Hospitalização

Em 1933, O'Keeffe foi hospitalizado por dois meses após sofrer um colapso nervoso, em grande parte devido ao caso de Stieglitz com Dorothy Norman. [79] Ela não pintou novamente até janeiro de 1934. Em 1933 e 1934, O'Keeffe se recuperou nas Bermudas e retornou ao Novo México em 1934. Em agosto de 1934, ela se mudou para Ghost Ranch, ao norte de Abiquiú. Em 1940, ela se mudou para uma casa na propriedade do rancho. As falésias multicoloridas que cercam a fazenda inspiraram algumas de suas paisagens mais famosas. [52] Entre os convidados que a visitaram no rancho ao longo dos anos estavam Charles e Anne Lindbergh, o cantor e compositor Joni Mitchell, o poeta Allen Ginsberg e o fotógrafo Ansel Adams. [80] [ fonte autopublicada Ela viajou e acampou em "Black Place" frequentemente com sua amiga Maria Chabot e, mais tarde, com Eliot Porter. [52] [62]

Novo começo Editar

Em 1945, O'Keeffe comprou uma segunda casa, uma fazenda abandonada em Abiquiú, que ela transformou em casa e estúdio. [83] Pouco depois de O'Keeffe chegar para o verão no Novo México em 1946, Stieglitz sofreu uma trombose cerebral. Ela imediatamente voou para Nova York para ficar com ele. Ele morreu em 13 de julho de 1946. Ela enterrou suas cinzas em Lake George. [84] Ela passou os três anos seguintes principalmente em Nova York, resolvendo sua propriedade, [28] e mudou-se permanentemente para o Novo México em 1949, passando um tempo no Ghost Ranch e na casa Abiquiú que ela transformou em seu estúdio. [28] [45]

Todd Webb, um fotógrafo que ela conheceu na década de 1940, mudou-se para o Novo México em 1961. Ele costumava tirar fotos dela, assim como vários outros fotógrafos americanos importantes, que sempre apresentavam O'Keeffe como um "solitário, uma figura severa e autoconfiante. feita pessoa. " [85] Enquanto O'Keeffe era conhecido por ter uma "personalidade espinhosa", as fotos de Webb a retratam com uma espécie de "quietude e calma", sugerindo uma amizade relaxada e revelando novos contornos do personagem de O'Keeffe. [86]

Editar viagens

O'Keeffe gostava de viajar para a Europa e ao redor do mundo, começando na década de 1950. Várias vezes ela fez rafting no rio Colorado, [23] incluindo uma viagem no Glen Canyon, Utah, área em 1961 com Webb e o fotógrafo Eliot Porter. [52]

Edição de fim / morte de carreira

Em 1973, O'Keeffe contratou John Bruce (Juan) Hamilton, um oleiro, de 27 anos, como assistente residente e depois zelador. Hamilton ensinou O'Keeffe a trabalhar com argila e a ajudou a escrever sua autobiografia. Ele trabalhou para ela por 13 anos. [28] O'Keeffe tornou-se cada vez mais frágil no final dos anos 90. Ela se mudou para Santa Fé em 1984, onde morreu em 6 de março de 1986, aos 98 anos. [87] Seu corpo foi cremado e suas cinzas foram espalhadas, como ela desejava, nas terras ao redor do Ghost Ranch. [88]

Questões legais Editar

Após a morte de O'Keeffe, sua família contestou seu testamento porque os codicilos feitos na década de 1980 haviam deixado a maior parte de sua propriedade de $ 76 milhões para Hamilton. O caso foi finalmente resolvido fora do tribunal em julho de 1987. [88] [89] O caso tornou-se famoso como um precedente no planejamento imobiliário. [90] [91]

O'Keeffe, Sem título - vaso de flores, 1903–1905, aquarela sobre papel, Museu Georgia O'Keeffe

O'Keeffe, Red Canna, 1915, aquarela sobre papel, 19,4 por 13,0 polegadas (49,2 cm × 33,0 cm), Galeria de Arte da Universidade de Yale

O'Keeffe, Desenho No. 2 - Especial, 1915, carvão sobre papel vegetal, 23,6 por 18,2 polegadas (60 cm × 46,3 cm), Galeria Nacional de Arte

O'Keeffe, Azul # 1, 1916, aquarela e grafite sobre papel, Brooklyn Museum

O'Keeffe, Sunrise ', 1916, aquarela sobre papel

O'Keeffe, No. 8 - Especial, 1916, Whitney Museum of Art

O'Keeffe, Série 1, nº 8, 1918, pintura a óleo sobre tela, 20,0 por 16,0 polegadas (50,8 cm × 40,6 cm), Lenbachhaus, Munique

O'Keeffe, Red Canna, 1919, óleo a bordo, High Museum of Art, Atlanta

O'Keeffe, Uma tempestade, 1922, pastel sobre papel, montado em quadro de ilustração, 18,3 por 24,4 polegadas (46,4 cm × 61,9 cm) Museu Metropolitano de Arte

O'Keeffe foi uma lenda no início dos anos 1920, conhecida tanto por seu espírito independente e modelo feminino quanto por suas obras de arte dramáticas e inovadoras. [88] Nancy e Jules Heller disseram: "A coisa mais notável sobre O'Keeffe foi a audácia e a singularidade de seus primeiros trabalhos." Naquela época, mesmo na Europa, havia poucos artistas explorando a abstração. Embora seus trabalhos possam mostrar elementos de diferentes movimentos modernistas, como o surrealismo e o precisionismo, seu trabalho é exclusivamente seu. [92] Ela recebeu aceitação sem precedentes como uma artista feminina do mundo das belas-artes devido às suas poderosas imagens gráficas e dentro de uma década de mudança para a cidade de Nova York, ela era a artista americana mais bem paga. [93] Ela era conhecida por um estilo distinto em todos os aspectos de sua vida. [94] O'Keeffe também era conhecida por seu relacionamento com Stieglitz, no qual ela forneceu algumas dicas em sua autobiografia. [88] O museu Georgia O'Keeffe diz que ela foi uma das primeiras artistas americanas a praticar a abstração pura. [2]

Mary Beth Edelson's Algumas artistas americanas vivas / Última Ceia (1972) apropriou-se de Leonardo da Vinci A última Ceia, com as cabeças de mulheres artistas notáveis ​​coladas sobre as cabeças de Cristo e seus apóstolos. A cabeça de John the Apostle foi substituída por Nancy Graves, e a de Christ por Georgia O'Keeffe. Esta imagem, abordando o papel da iconografia religiosa e histórica da arte na subordinação das mulheres, tornou-se "uma das imagens mais icônicas do movimento artístico feminista". [95] [96]

Uma parte substancial dos ativos de sua propriedade foi transferida para a Georgia O'Keeffe Foundation, uma organização sem fins lucrativos. O Museu Georgia O'Keeffe foi inaugurado em Santa Fé em 1997. [88] Os ativos incluíam um grande corpo de seu trabalho, fotografias, materiais de arquivo e sua casa Abiquiú, biblioteca e propriedade. A casa e estúdio Georgia O'Keeffe em Abiquiú foi designada um marco histórico nacional em 1998 e agora é propriedade do Museu Georgia O'Keeffe. [83]

Em 1996, o Serviço Postal dos EUA emitiu um selo de 32 centavos em homenagem a O'Keeffe. [97] Em 2013, no 100º aniversário do Armory Show, o USPS emitiu um selo com O'Keeffe's Paisagem de Black Mesa, Novo México / Out Back of Marie's II, 1930 como parte da série Modern Art in America. [98]

Uma espécie fossilizada de arcossauro foi nomeada Effigia okeeffeae ("O'Keeffe's Ghost") em janeiro de 2006, "em homenagem a Georgia O'Keeffe por suas inúmeras pinturas das terras ermas do Ghost Ranch e seu interesse no Coelophysis Pedreira quando foi descoberta ". [99]

Em novembro de 2016, o Museu Georgia O'Keeffe reconheceu a importância de sua passagem por Charlottesville ao dedicar uma exposição, usando aquarelas que ela havia criado ao longo de três verões. O título era O'Keeffe na University of Virginia, 1912–1914. [21]

O'Keeffe detém o recorde (US $ 44,4 milhões em 2014) para o preço mais alto pago por uma pintura de uma mulher. [100]

Em 1991, o PBS exibiu o American Playhouse Produção Um casamento: Georgia O'Keeffe e Alfred Stieglitz, estrelando Jane Alexander como O'Keeffe e Christopher Plummer como Alfred Stieglitz. [101]

Lifetime Television produziu um filme biográfico de Georgia O'Keeffe estrelado por Joan Allen como O'Keeffe, Jeremy Irons como Alfred Stieglitz, Henry Simmons como Jean Toomer, Ed Begley Jr. como o irmão de Stieglitz, Lee, e Tyne Daly como Mabel Dodge Luhan. Ele estreou em 19 de setembro de 2009. [102] [103]


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